Pop Art

Uno de los modelos reaccionarios de la modernidad fue el Pop Art, este movimiento se inició a mediados de los años 50 en Londres, Inglaterra como respuesta al Dadaísmo, corriente que solo se resumía a mostrar una cultura elitista y vacía, por ende, el Arte Pop, logró masificar la industria y reproducir las obras para las personas y así no resumirlo a espacios donde solo unos cuantos pueden apreciarlo.

Sus precursores pertenecieron a un grupo denominado “El grupo independiente”, iniciado en 1952 compuesto por pintores, escultores, arquitectos, escritores y críticos que discrepaban con la perspectiva tradicional de las bellas artes, resaltando primeramente lo banal de ellas, para luego enfocarse en lo que sería el uso de las imágenes de la cultura estadounidense. Su co-fundador fue Eduardo Paolozzi y fue el primero en insertar la palabra “Pop” en la presentación de su collage titulado I was a Rich Man's Plaything.






Por otra parte en Estados Unidos este movimiento alcanzó su apogeo en los años 60, mostrando a través de pinturas, connotaciones sentimentales y humorísticas, que fueron un poco más agresivas que en Inglaterra, ya que la industrialización hizo que hubiera una diversidad de imágenes producidas en masas. Dos pintores importantes de la época fueron: Jasper Johns y Andy Warhol, este último, usando como recurso creativo la parodia, con la cual se dedicaba a molestar a sus compañeros. Una de las críticas que se le hacía a su antecesor, el expresionismo abstracto, es la poca llegada que podía tener con la gente, entonces como reacción a eso, se empezó a utilizar en el Pop Art, otro recurso que fue buscar imágenes sencillas para luego elevarlas a la categoría de arte. Funciona desligado del compromiso y tienen una alta carga visual debido a los colores que se ocupan en las representaciones. Su temática está enfocada principalmente a los artículos de consumo comercial tales como: revólveres (Utilizado en la pintura de Paolozzi), latas de sopa (Warhol) flores, Coca-Cola, Helados, Seven-Up, Pepsi-Cola, Pasta de dientes, los Cigarrillos. etc. Dándole énfasis a cosas que se reproducen en masa y desinteresadamente, haciendo de sus obras artículos los cuales pueden ser disfrutados por todos y no necesariamente por un grupo pequeño de personas que solo busca lo único y seleccionado.

Todo se podía reproducir, y el retrato fue algo que tuvo bastante influencia en famosos. Muchos de ellos quisieron retratar sus rostros con fuertes colores para inmortalizarlos y hacerlos parte de la modernidad, como fue el caso de: Marilyn, Jacquelin Kennedy y Grace Kelly.

Andy Warhol 
"No tengo memoria, cada día es un día nuevo porque no puedo recordar el día anterior. Cada minuto es como el primer minuto de mi vida".
Nació el 6 de agosto de 1928, fue pintor, grabador y director de cine, pero fuerte fue la pintura con la cual retrataba lo más típico de la modernidad. Se rodeó de gente famosa y destacados intelectuales. Su frase más recordada es la expresión “15 minutos de fama” que representaba lo efímero que podía ser estar en Hollywood y cómo los medios funcionan de forma tal que a veces estás arriba y otras veces abajo. Una de sus obras más famosas fue titulada Ocho Elvis y obtuvo un precio de cerca de cien millones de dólares, precio que solo se compara con obras de artistas como: Pablo Picasso, Vincent van Gogh, Renoir Pierre-agosto, Gustav Klimt y Willem de Kooning. 
Diarios (Anagrama) 1989, se titula el libro que lleva un registro del artista entre los años 1976 y 1987, que incluía desde lo que hacía a diario como las fiestas, negocios, amistades, hasta las peculiares llamadas que realizaba Warhol a su secretaria para contarle todas las actividades que había realizado el día anterior.

Los "comics": Arte para consumo y formas "pop"

En este libro de Terenci Moix se hace referencia a la cosmología pop, a todo lo que involucraba un nuevo concepto de arte y una crítica a los nuevos personajes que aparecen después del 60. Por una parte se especifica que dentro del cine norteamericano aparecen nuevos héroes que calzan con el contexto histórico por el cual estaba pasando el país. Los comics representan la realidad de Estados Unidos y el mundo, con gráficas cargadas de arte pop que hacen a las páginas atractivas de ver al momento de leer el comic. Al igual que obras de arte, como las pinturas y películas que se hacían parte de este movimiento, también los comics fueron importantes desde el punto de vista comercial, ya que la reproducción de estas tiras comics hacía ver la realidad de forma ironizada y colorida.
Muchas opiniones se puede tener respecto a este movimiento, los críticos discrepan entre lo que debería ser arte y no, pero a pesar de eso no se puede dejar de reconocer que los nuevos artistas del siglo XX post dadaísmo, traían otras ideas de lo que debió haber sido el arte, y entre ellos estaba llevar cada expresión artística a todas las personas que deseaban verla.